Indicados de 1932

15/09/2009

DIREÇÃO

__ Tod Browning, “Freaks”

__ Howard Hawks, “Scarface”

__ Ernst Lubitsch, “Trouble in Paradise”

__ Ernst Lubitch, Geoge Cukor, “One Hour With You”

__ Rouben Mamoulian, “Love Me Tonight”

ATOR

__ Boris Karloff, “The Mummy”

__ Robert Lynen, “Poil de carotte”

__ Herbert Marshall, “Trouble in Paradise”

__ Groucho Marx, “Horse Feathers”

__ Paul Muni, “Scarface”

ATRIZ

__ Olga Baclanova, “Freaks”

__ Kay Francis, “Trouble in Paradise”

__ Jeanette McDonald, “Love me Tonight”

__ Barbara Stanwyck, “Forbidden”

__ Genevieve Tobin, “One Hour With You”

ATOR COADJUVANTE

__ Lionel Barrymore, “Grand Hotel”

__ Harry Baur, “Poil de carotte”

__ Edward Everett Horton, “Trouble in Paradise”

__ Charles Laughton, “The Sign of the Cross”

__ Charles Ruggles, “One Hour With You”

ATRIZ COADJUVANTE

__ Claudette Colbert, “The Sign of the Cross”

__ Daisy Earles, “Freaks”

__ Catherine Fonteney, “Poil de carotte”

__ Zita Johann, “The Mummy”

__ Myrna Loy, “Love me Tonight”

ROTEIRO ORIGINAL

__ Bert Kalmar, Harry Ruby, S.J. Perelman, Will B. Johnstone “Horse Feathers”

__ John L. Balderston, “The Mummy”

__ “Flowers and Trees”

ROTEIRO ADAPTADO

__ Julien Duvivier, “Poil de carotte”, adaptado do livro de Jules Renard

__ Willis Goldbeck, Leon Gordon, Al Boasberg, Edgar Allan Woolf, baseado na história “Spurs” de Clarence Aaron ‘Tod’ Robbins

__ Samuel Hoffenstein, George Marion Jr., Waldemar Young, “Love me Tonight”, adaptado da peça “Tailor in the Château” de Paul Armont, Léopold Marchand

__ Ben Hecht, Seton I. Miller, John Lee Mahin, W.R. Burnett, “Scarface”, adaptado do livro de Armitage Trail

__ Grover Jones, “Trouble in Paradise” adaptado da peça “The Honest Finder” de Aladar Laszlo

FOTOGRAFIA

__ William H. Daniels, “Grand Hotel”

__ Lee Garmes, L. William O’Connell, “Scarface”

__ Victor Milner, “Trouble in Paradise”, “Love me Tonight”

__ Monniot, Armand Thirard, “Poil de carotte”

__ Charles J. Stumar, “The Mummy”

MONTAGEM

__ Edward Curtiss, “Scarface”

__ William Shea, “One Hour With You”,

__ William Shea, Rouben Mamoulian “Love me Tonight”

__ Basil Wrangell, “Freaks”

__ “Trouble in Paradise”

ELENCO

__ “Freaks”

__ “Grand Hotel”

__ “One Hour With You”

__ “Poil de carotte”

__ “Scarface”

__ “Trouble in Paradise”

TRILHA ORIGINAL

__ John Leipold, “Love me Tonight”

__ W. Franke Harling, “One Hour With You”

__ Alexander Tainsman, “Poil de carotte”

__ Gus Arnheim, Adolph Tandler, “Scarface”

__ “Trouble in Paradise”

DIREÇÃO DE ARTE

__ Hans Dreier, “Love me Tonight”

__ Hans Dreier, “Trouble in Paradise”

__ Cedric Gibbons, Merrill Pye, “Freaks”

__ Mitchell Leisen, “The Sign of the Cross”

__ Harry Olivier, “Scarface”

FIGURINO

__ Adrian, “Grand Hotel”

__ Travis Banton, “Trouble in Paradise”

__ Travis Banton, Edith Head, “Love me Tonight”

__ Cedric Gibbons, Merrill Pye, “Freaks”

__ Mitchell Leisen, “The Sign of the Cross”

MAQUIAGEM

__ “Freaks”

__ Cecil Holland, “Grand Hotel”

__ Jack P. Pierce, “The Mummy”

__ Robert J. Schiffer, “Horse Feathers”

__ “The Sign of the Cross”

CANÇÃO

__ “Whatever it is, I’m against it”, Harry Ruby, Bert Kalmar, por Groucho Marx “Horse Feathers”

__ “Isn’t it Romantic?”, Lorenz Hart, Richard Rogers, por Maurice Chevalier, Bert Roach, Rolfe Sedan, Jeanette MacDonald, “Love Me Tonight”

__ “Mimi”, Lorenz Hart, Richard Rogers por Maurice Chevalier “Love Me Tonight”

__ “Oh Mitzi!”, Oscar Rubin, Leo Rubin, por Maurice Chevalier “One Hour With You”

__ “Trouble in Paradise”, W. Franke Harling, Leo Robin, “Trouble in Paradise”

SOM

__ G. A. Burns, Douglas Shaerer, “Freaks”

__ Karl Zint, “Grand Hotel”

__ M.M. Paggi “Love me Tonight”,

__ “The Mummy”

__ M.M. Paggi, “One Hour With You”

__ Wlliam Snyder, “Scarface”

EFEITOS ESPECIAIS

__ “Freaks”

__ John P. Fulton, “The Mummy”

__ “Scarface”

__ “The Sign of the Cross”

__ Warren Newcomb, “Tarzan, the Ape Man”

CENA

__ “Whatever it is, i’m against it”, “Horse Feathers”

__ “Isn’t It Romantic?”, “Love me Tonight”

__ Tentativa de suicídio, “Poil de carotte”

__ One of us, “Freaks”

__ Fim, “Freaks”

TRILHA COMPLETA

__ “Grand Hotel”

__ “Horse Feathers”

__ “Love me Tonight”

__ “The Mummy”

__ “One Hour With You”

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ANTICRISTO

02/09/2009

charlotte-gainsbourg-antichrist-still1

Anticristo não é tudo isso que falaram. O novo filme de Lars Von Trier é sim, repleto de imagens fortes e chocantes, mas após o primeiro susto é difícil se levar pelos maltratos do cineasta. Ou seja, não choca, nem é forte. Por outro lado, Anticristo é sim tudo isso que dizem. É um dos filmes mais provocantes da história. Ou melhor, tenta ser.
Durante sua carreira, o diretor dinamarquês tentava apontar o dedo pras grandes tragédias sociais, apontando que o homem agia mal a partir de causas sociais maléficas, mesmo que impregnadas nos homens. Seja em Dançando no Escuro, Dogville ou Europa tínhamos personagens que eram vítimas de situações causadas ou pela cultura ou por ações do coletivo, e quando a história não terminava em tragédia completa (a morte ou a segunda guerra por exemplo), causava um trauma profundo.

Aqui, temos a inversão de sintomas. Primeiro vem o trauma profundo (morte do filho do casal interpretado por William Dafoe e Charlotte Gainsbourg), seguimos para a tragédia pessoal, e finalmente a tragédia social. Isso é consequência de uma mudança de visão de Lars Von Trier no que causa o mal. Se antes, era por causas sociais, agora o mal vêm de dentro e todas estas grandes tragédias e conflitos se dá justamente por tantos homens (e mulheres, como acusa o diretor) terem uma alma tão vil.

E nisso reside o grande pecado do filme. O diretor quer nos acreditar que o homem, em seu estado de natureza mais primitivo poderia causar tudo que acontece na segunda metade do filme. É muito falso, hipócrita, maléfico e perturbador, falso, para não dizer que Lars Von Trier nos choca apenas pelo prazer mórbido de chocar, auxiliado pela visão complicadíssima, para não dizer totalmente ridícula de tratar de uma forma completamente machista o femicídio em voga nos séculos anteriores.

Isso poderia até ser contestado se o dinamarquês tratasse pelo viés de que tudo não passa de uma loucura, ou uma grande metáfora. O que concerne a primeira parte, em nenhum momento Von Trier dá a entender que isso é um ato isolado. Inclusive, no início, o personagem “científico” do marido diz sempre que o luto da esposa não é atípico, é um comportamento normal. E a cena final deixa claro que como sempre Von Trier expande seu recorte para a sociedade como um todo.

No campo da metáfora, até se pode relacionar o medo da protagonista ao medo divino, totalmente irracional, e quando este medo é deixado de lado, podemos fazer tudo que nos dá vontade, até as coisas mais abomináveis. O contexto sexual intensifica mais esta interpretação. Mas de qualquer maneira, não absolve o filme, nem o diretor. É um filme que pode impressionar, e impactar em pequeno grau, mas não consegue apresentar nenhuma tese sobre o comportamento aceitável, quando seu tiro não sai pela culatra, completamente.

Charlotte Gainsbourg, porém, está magnífica e é uma pena que a personagem que ela compõe não ganha um correspondente à altura pela direção do filme.


Anticristo
Anticrist, 2009, DIN/ALE/FRA/SUE/ITA/POL
Dirigido por Lars Von Trier. Com William Dafoe, Charlotte Gainsbourg.


Encontros e Desencontros

29/06/2009

Encontros e Desencontros

Há exatos 11 meses eu revia Encontros e Desencontros. Não tinha visto o filme desde o lançamento em 2004, mas era essencial para aquilo por qual estava passando. E isso é o mais incrível do cinema, pois mais importante do que o próprio filme é a sensação da qual ela transmite, fazendo com que a cada revisão, possamos ter uma visão completamente diferente da obra. Todas as artes, teoricamente, fazem isso, mas o cinema possui um diferencial específico por seu meio de transmissão, já que ao contrário de um livro, realiza muito rapidamente tal ato, e ao oposto de música, pintura ou fotografia, o cinema propõe uma imersão muito maior, já que não temos contato repetitivo com ele, como acontece com as outras artes citadas. Ver um filme é ainda, um momento único e especial.

E rever na madrugada desde domingo, foi um momento único e especial, uma atitude perfeita. Acho que pela primeira vez, realmente consegui captar com todas as nuances, a beleza deste filme, e seu grande significado, mesmo que talvez me desminta na próxima revisão. Mas o que ainda é mais estranho é que este significado, mesmo que talvez seja sei lá, o que a Sofia pretendeu, é ainda assim bastante particular. Todos podem ter visões diferentes.

Desde o primeiro instante do filme, a sensação de tédio é transmitida por todos os poros do filme. Iniciamos com planos de Charlotte (Scarlet Johansson) deitada, e em seguida, Bob (Bill Murray), cochilando num táxi, indo para o hotel. Ninguém exatamente dormindo, todos conscientes do seu redor, mas em um estado que não se altera muito. Essa sensação permeia o longa inteiro, auxiliados por uma câmera discreta de Lance Accord e a edição brilhante e igualmente suave de Sarah Flack.

Os protagonistas estão perdidos na tradução, o maior simbolismo possível para o mundo contemporâneo e o grande desafio e a grande força deste cinema atual. Não é a toa que o filme se passa no Japão, talvez o mais que antes da “nova revolução chinesa” era o país que mais sofria com a repentina mudança de culturas. Não é a toa, que a grande geração cinematográfica da atualidade esteja na Ásia.

Scarlet Johansson

“Let’s never come here again because it will never be as much fun. “

O relacionamento entre Bob e Charlotte não poderia funcionar, a não ser naquele instante. Isto é o que diferencia eles entre os seus respectivos casamentos. Bob e Lydia, com 25 anos de casamento, já estão na fase das crianças, de se preocupar mais com a estabilidade. Já Charlotte e John, no início do matrimônio, ainda estão se curtindo, mas sem uma intensidade de uma paixão que talvez existiu no começo. São estes relacionamentos, que funcionam a longo prazo, enquanto os que marcam e alteram nossas vidas existencialmente são passageiros.

Nesta insônia permanente, em que eles vivem, entre o estar acordado e estar dormindo, estar em contato com os outros, seja os cônjuges, ou amigos e pessoas que cruzam o caminho, e estar isolados em si mesmos, acabam meio que sem querer descobrindo uma válvula de escape, mesmo que ela só pode sobreviver futuramente em suas mentes, em seus desejos, aspirações e devaneios, aí outra relação com os planos iniciais. E nesse aspecto as cenas de Charlotte tentando descobrir sua “identidade” são as mais belas, seja ouvindo música no fone de ouvido ao trem, escutando uma fita de auto-ajuda no hotel ou tentando se conectar com a espiritualidade japonesa estão entre as mais belas do cinema.

O diálogo final é apenas um último suspiro naquela relação. Finalmente eles se beijam, mas é apenas a conseqüência e materialização física de toda aquela intimidade que eles já criaram. Talvez tenham encontrado suas respectivas almas-gêmeas, mesmo que por um breve instante. Cinco anos depois, cinco meses ou cinco semanas depois seriam pessoas completamente diferentes, com outros problemas e outros anseios. Outras inquietações. Mas naquele instante, naquele hotel em Tóquio, perdidos no mundo, eles se encontraram, e puderam seguir em frente. O amor talvez seja isso, algo passageiro, algo fugaz, mas que consegue ao seu término e com sua lembrança nos fazer percorrer o caminho maior da vida.

Os atores conseguem transmitir uma verdade incrível nos personagens. Murray, com seu tom mais sombrio e de quem já está passando por crises de meia-idade, traz um olhar ao mesmo tempo sinistro e sarcástico por todos estes problemas, e que encontra em Charlotte alguém que passa pelas mesmas aflições e consegue em uma cena lindamente filmada na cama, dar alguns conselhos a ela. Já Johansson explora este sentimento de descoberta, seja passeando pela cidade, em monumentos japoneses, que no fundo já não dizem mais nada para ela, como ela conta para uma amiga no telefone. A falta de sentimentos que estão ligados a um antigo mundo, acabam trazendo mais aflição e desespero para ela, que vê na personagem de Murray uma forma de tentar compreender melhor estes sentimentos.

Em nenhum momento eles se aproximam de fato de uma relação sexual, percebendo mesmo que inconscientemente e contra suas vontades talvez, de que isso só pioraria toda a situação. Eles conseguem uma relação de alma praticamente, que só ameaça se romper, quando tamanha perfeição está em risco, seja quando Bob transa com uma outra mulher qualquer ou quando enfim ele tem que partir. Mas de qualquer maneira, dos dois seguem suas vidas, continuam em seus caminhos anteriormente traçados, e a metáfora da cena final, se torna perfeita, quando Bob a caminho do aeroporto encontra Charlotte na rua, e transmite algo secreto para ela em seu ouvido, antes dos dois voltarem para seus destinos anteriores. O filme todo em uma cena. O que se passou ali, seja no último diálogo, ou durante o filme todo, não importa quantas análises de som ou de crítica sejam feitas, só eles saberão.

Encontros e Desencontros
Lost in Translation
2005, EUA / Japão.
De Sofia Coppola.
Com Bill Murray, Scarlet Johansson, Giovanni Ribsi, Anna Faris, Fumihiro Hayashi, Akiko Takeshita, Catherine Lambert.

6 estrelas

Encontros e Desencontros 2

I could feel at the time
There was no way of knowing
Fallen leaves in the night
Who can say where they´re blowing
As free as the wind
Hopefully learning
Why the sea on the tide
Has no way of turning

More than this you know there’s nothing
More than this tell me one thing
More than this ooh there is nothing

It was fun for a while
There was no way of knowing
Like a dream in the night
Who can say where we’re going
No care in the world
Maybe I’m learning
Why the sea on the tide
Has no way of turning


APENAS O FIM

27/06/2009

apenas o fim

Num ano até agora fraco para o cinema brasilero, não teve nenhuma estréia que mexeu mais com o ambiente cinematográfico quanto Apenas o Fim. Um longa universitário, mas que ao contrário do predecessor da UFF em 2007, Conceição – Autor Bom é Autor Morto, conseguiu boa distribuição e repercussão entre o público.

Em parte porque propositalmente o filme de Matheus quis se direcionar a uma geração jovem atual que ainda freqüenta o circuito de cinemas cariocas. Com esse direcionismo tão atuante, cria-se o grande problema do filme, que é uma necessidade tão latente de se fazer ser entendido por esse público a cada instante. Se uma cena não possui ao menos três referências, seja visuais ou em diálogos, ela não importa.

Assim, boa parte da crítica estava errada tanto em chamar o filme de “um retrato da nova geração” ou indicá-lo como um farol de um “novo cinema”. O filme não tem nada de moderno em sua estrutura, é algo que simplesmente se aproveita de novas referências para parecer atual. Não se cria um retrato de uma nova geração – até porque teríamos que nos referir a ela como uma subgeração, já que só uma parcela específica dos jovens é assim – e sim um almanaque destas pessoas que cresceram na virada do século, e com uma boa bagagem cinematográfica e com acesso aos meios de consumo.

A grande força do filme, porém, reside no fato de que ele é consciente de que tudo isso não passa apenas de um artifício narrativo. Ele em nenhum momento pretende ser tudo isso que lhe pintaram, apenas mostrar os dilemas desta geração, mas sem ser exatamente um produto dela. Os personagens são inverossímeis, em certa maneira, pois são apenas símbolos desta época e deste contexto. Dizer que o filme é autobiográfico é óbvio, mais interessante ainda seria o fato de que muito provavelmente as duas personagens principais são duas faces de uma mesma moeda, ou melhor de um mesmo diretor/roteirista ou da mesma pessoa que se encaixa naquele esquema apresentado.

O filme fala sobre como construímos nosso passado e não nosso futuro. Chegamos agora no final da primeira década, cheio de referências, experiências e entulhos emocionais, afetivos e decorativos, mas que nada adiantam mais. Na primeira dúvida, na primeira encruzilhada, nada mais vale. Tudo se perdeu e a geração apresentada pelo filme, se sente assim, saindo da faculdade, indo finalmente pra vida adulta sem perspectivas ou sem saber de fato como lidar com o mundo.

O final Felliniano e a interferência da metalinguagem só vem pra deixar isso muito mais claro, mesmo que automaticamente isto o deixe mais palatável e bobo. A cena depois dos créditos indica isso, como podemos alterar nossas falhas na vida real em sucesso (em diferentes estilos) no campo artístico. E é exatamente isso que Matheus tenta e consegue.

Mas claro que só aqueles que cresceram na mesma época, viram os mesmos programas de TV, e assistiram a uma penca de filmes cults (sendo que a filmografia de Wong Kar Wai é essencial) podem compreender bem o filme e suas centenas de referências. Porém, uma ou outra não tem como deixar de pegar.

Apenas o Fim

2008, Brasil.

Dirigido por Matheus Souza.

Com Gregório Duvivier, Erika Mader, Marcelo Adnet, Nathália Dill, Anna Sophia Folch, Álamo Facó, Júlia Gorman.

stars4.1


La Belle Personne

15/03/2009

Five Leaves Left

Bryter Layter

Pink Moon


Foi Apenas um Sonho

11/03/2009

revolutionaryroad4

Revisão hoje, destruiu todas as minhas dúvidas de que seja um belíssimo filme. Ao contrário, me fez crer finalmente que se trata de uma obra-prima e que sim, Kate Winslet tem uma das melhores interpretações da história do cinema, sem dúvidas. E o final, muito adequado, consegue seguir toda a temática do filme, sem cair em armadilhas.

Difícil superar como o filme do ano.